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Realisme(s). L'empremta de Courbet.
"Escapando de la crítica"
Pere Borrell del Caso
1874
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Del 08 de Abril al 10 de Julio de 2011
Museo nacional d'art de Catalunya
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Arte y Activismo.
Proyectos colectivos que entienden el arte como relación social.
Enlace al documental:
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La utilidad del arte.
"¿Para qué sirve el arte? Seguramente, desde un punto de vista práctico, para nada. Es innecesario, pero el hombre también precisa de lo innecesario. Y para el artista lo es todo. Es su vida, su obra, su objetivo vital; probablemente el único. Pero, ¿Qué sería, de la persona, sin el arte y la cultura? La respuesta no es fácil porque es poliédrica y ocurre como con la felicidad, todos la buscamos, pero cuando se nos pregunta a cada uno de nosotros que entendemos por felicidad, respondemos cosas distintas. Con el arte sucede lo mismo, todos opinamos diferente y a cada ser humano la cultura le sirve siempre en relación al proyecto de vida que se proponga, de acuerdo con sus propias inquietudes. Por eso la comparación con la felicidad humana no era tan banal.
La gran variedad y diversidad de movimientos y propuestas artísticas y culturales están, hoy en día, en íntima consonancia con los tiempos que vivimos. O sea: hay un arte para cada uno de nuestros gustos y preferencias. Aunque parece que un cierto conocimiento del canon, es imprescindible para valorar con un mayor criterio lo que se contempla.
De una manera apasionada, com debe ser en este caso, el artista cree que producir arte es una gran esperanza, que sin arte ya no viviríamos. Y sin la cultura. "La literatura nos cura de las miserias de la vida", escribió Pavese. Y muchos artistas piensan que crear es una manera de darse la razón contra el mundo.
¿Cree lo mismo el espectador? Es posible, porque el arte puede llegar a disipar algunas, o muchas perplejidades, y afrontarlas con argumentos culturales, de conocimiento, independientemente del goce estético que, se da por supuesto. "El artista apela a esa parte de nuestro ser que no depende de la sabiduría, aquello que es un don en nosotros y no una adquisición", Philip Roth. Apela y sobre todo interpela. Todo creador se interroga, que es una manera de interrogar al lector,al espectador, al contemplador... Seducirle para que saque lo que también lleva oculto en su ser, más o menos, una manera de activar la sensibilidad y las emociones. Pero claro, el arte no resuelve los problemas del individuo, de ahí que alguien ponga en duda su utilidad. Pero ayuda, hasta cierto punto, a aclararlos o a sobrellevarlos.
¿Y todo esto no es de utilidad? "El arte inútil a la vida debe ser relegado al museo de antigüedades", dejo escrito Ródchenko. El arte presupone un acto de libertad consciente. Por eso, históricamente, todas las dictaduras lo han perseguido, imponiendo en un caso su cultura oficial, y persiguiendo en otro toda posible disidencia artísticocultural. En tiempos de opresión política la creación ha servido para indisciplinar espíritus.
La historia está llena de ejemplos en que el arte y la cultura han sido de gran utilidad para recuperar libertades. Además, ¿no nos sentimos más inteligentes con la lectura de un libro inteligente? ¿O más conmovidos con una música conmovedora? Franco Volpi, en su introducción a Schopenhauer, habla de "biblioterapia" y es cierto,la lectura nos deja más seguros, más felices o tristes, pero en ningún caso igual que antes de leer. Resumiendo, el arte siempre ha sido un medio útil para entender el mundo. Y sigue siéndolo."
Texto de Joan-Pere Viladecans.
Extraído de: Suplemento Cultura/s La Vanguardia. 23 de marzo del 2011. Página 19.
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We are more.
Firma el
> Manifiesto <
a favor del arte y la cultura
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Contra el síndrome de Estocolmo
"Quizás se pueda decir más fuerte, pero no se puede decir más claro: la cultura no va a sacarnos de esta crisis, pero sin la cultura nunca saldremos de esta crisis. De ahí que resulte sorprendente que en muchos países, regiones y ciudades de Europa (pero también en otros lugares del mundo donde el crecimiento económico no es hoy en día el primer problema exactamente) se predique con contundencia falsamente responsable la necesidad de "recortar" unos recursos públicos para la cultura crónicamente precarios y, mientras tanto, se proclame con la hipocresía de una buena nueva que la cultura debe ser un motor, sino el principal, para el desarrollo y la cohesión social.
Las negociaciones sobre el periodo presupuestario y de programación 2014-2020 en el marco de la Comisión Europea se están llevando a cabo con el telón de fondo de la quiebra estructural de algunos de sus Estados miembros (Irlanda, Grecia, ahora Portugal...) y en un contexto de presunto desbordamiento de la deuda, tanto si la causa de esta incontinencia es la especulación financiera como si lo es el exceso de bienestar. Nada hace preveer, en consecuencia, novedades demasiado halagüeñas para la cultura ni más recursos, tanto si estos proceden de programas propios como si provienen de los fondos estructurales y de cohesión. El relativo éxito de campañas como "We Are More", emprendida hace pocos meses por Culture Action Europe (en el momento de escribir estas líneas casi 6.200 personas de toda Europa han firmado su manifiesto) no presuponen que cuando alguien, desde la Unión Europea, tenga que volver a empuñar sus tijeras no comience a hacerlo por la cultura.
Mientras Stéphane Hessel apela al deber cívico de indignarse y hacer frente al recorte de los derechos y el bienestar en toda Europa y en Barcelona se producen las primeras y todavía tímidas manifestaciones reclamando más dinero público para la cultura, el sector sigue inmerso en una suerte de "síndrome de Estocolmo" que le lleva a estar más atento a demostrar su capacidad de generar mayores y mejores plusvalías para sus secuestradores económicos (quienes, por lo menos desde aquella conferencia celebrada en Florencia en coctubre del 1999, convocada por el Banco Mundial y UNESCO, saben mejor que nadie que "la cultura cuenta") que no a reclamar aquello que legítimamente le corresponde."
Las negociaciones sobre el periodo presupuestario y de programación 2014-2020 en el marco de la Comisión Europea se están llevando a cabo con el telón de fondo de la quiebra estructural de algunos de sus Estados miembros (Irlanda, Grecia, ahora Portugal...) y en un contexto de presunto desbordamiento de la deuda, tanto si la causa de esta incontinencia es la especulación financiera como si lo es el exceso de bienestar. Nada hace preveer, en consecuencia, novedades demasiado halagüeñas para la cultura ni más recursos, tanto si estos proceden de programas propios como si provienen de los fondos estructurales y de cohesión. El relativo éxito de campañas como "We Are More", emprendida hace pocos meses por Culture Action Europe (en el momento de escribir estas líneas casi 6.200 personas de toda Europa han firmado su manifiesto) no presuponen que cuando alguien, desde la Unión Europea, tenga que volver a empuñar sus tijeras no comience a hacerlo por la cultura.
Mientras Stéphane Hessel apela al deber cívico de indignarse y hacer frente al recorte de los derechos y el bienestar en toda Europa y en Barcelona se producen las primeras y todavía tímidas manifestaciones reclamando más dinero público para la cultura, el sector sigue inmerso en una suerte de "síndrome de Estocolmo" que le lleva a estar más atento a demostrar su capacidad de generar mayores y mejores plusvalías para sus secuestradores económicos (quienes, por lo menos desde aquella conferencia celebrada en Florencia en coctubre del 1999, convocada por el Banco Mundial y UNESCO, saben mejor que nadie que "la cultura cuenta") que no a reclamar aquello que legítimamente le corresponde."
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Firma el
> Manifiesto <
a favor del arte y la cultura
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Contra la síndrome d'Estocolm
"Potser es pugui dir més fort, però no es pot dir més clar: la cultura no va a treure'ns d'aquesta crisi, però sense la cultura mai sortirem d'aquesta crisi. Per això resulta sorprenent que en molts països, regions i ciutats de Europa (però també en altres llocs del món on el creixement econòmic no és avui dia el primer problema exactament) es prediqui amb contundència falsament responsable la necessitat de "retallar" uns recursos públics per a la cultura crònicament precaris i, mentrestant, es proclami amb la hipocresia d'una bona nova que la cultura ha de ser un motor, sinó el principal, per al desenvolupament i la cohesió social. Les negociacions sobre el període pressupostari i de programació 2014-2020 en el marc de la Comissió Europea s'estan duent a terme amb el teló de fons de la fallida estructural d'alguns dels seus Estats membres (Irlanda, Grècia, ara Portugal ...) i en un context de presumpte desbordament del deute, tant si la causa d'aquesta incontinència és l'especulació financera com si ho és l'excés de benestar. Res fa preveure, en conseqüència, novetats massa favorables per a la cultura ni més recursos, tant si aquests procedeixen de programes propis com si provenen dels fons estructurals i de cohesió. El relatiu èxit de campanyes com "We Are More", empresa fa pocs mesos per Culture Action Europe (en el moment d'escriure aquestes línies quasi 6.200 persones de tot Europa han signat el seu manifest) no pressuposen que quan algú, des de la Unió Europea, hagi de tornar a empunyar les seves tisores no comenci a fer-ho per la cultura. Mentre Stéphane Hessel apel al deure cívic de indignar i fer front a la retallada dels drets i el benestar a tot Europa ia Barcelona es produeixen les primeres i encara tímides manifestacions reclamant més diners públics per a la cultura, el sector segueix immers en una mena de "síndrome d'Estocolm" que el porta a estar més atent a demostrar la seva capacitat de generar majors i millors plusvàlues per als seus segrestadors econòmics (qui, si més no des d'aquella conferència celebrada a Florència el coctubre del 1999, convocada pel Banc Mundial i UNESCO , saben millor que ningú que "la cultura compte") que no a reclamar allò que legítimament li correspon. "
Eduard Miralles, President del Patronat de la Fundació Interarts
Eduard Miralles, President del Patronat de la Fundació Interarts
Nuevo espacio de arte.
El próximo viernes, inauguración de un nuevo espacio dedicado al arte y la creación contemporánea en Martorell.
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Badalona : 218.886 habitantes.
Martorell: 26.815 habitantes.
Sobre la diversidad cultural.
" No quiero que mi casa quede totalmente rodeada de murallas, ni que mis ventanas sean tapiada. Quiero que la cultura de todos los países sople sobre mi casa tan libremente como sea posible. Pero no acepto ser derribado por ninguna ráfaga"
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Decálogo de buenas prácticas profesionales en las artes visuales.
Imagen de Sebastián Dario.
La libertad de creación y de expresión es consustancial a toda producción o manifestación artística. La libertad de creación y expresión es un derecho fundamental protegido por la Constitución Española. Así pues, en ningún caso y bajo ningún pretexto un mediador o institución podrá censurar ni modificar la obra del artista. De la misma manera, nunca podrá establecer mecanismos injustificados que impidan o limiten su correcta difusión sin la autorización expresa del artista.
El artículo 20 de la Constitución Española establece la libertad de expresión y de creación artística y prohíbe la censura.
2. Respecto a los derechos morales del artista.
El artista, como autor de la obra que ha creado, tiene reconocidos una serie de derechos llamados morales que mantiene incluso cuando yo no es el propietario. Se trata de derechos a los que el autor no puede renunciar nunca, que no pueden transmitirse a nadie y que puede ejercer durante toda su vida. Agentes, mediadores, coleccionistas y público respetaran escrupulosamente los derechos morales del artista.
2. Respecto a los derechos morales del artista.
El artista, como autor de la obra que ha creado, tiene reconocidos una serie de derechos llamados morales que mantiene incluso cuando yo no es el propietario. Se trata de derechos a los que el autor no puede renunciar nunca, que no pueden transmitirse a nadie y que puede ejercer durante toda su vida. Agentes, mediadores, coleccionistas y público respetaran escrupulosamente los derechos morales del artista.
Los derechos morales del artista (artículo 14 TRLPI) son: decidir si su obra ha de ser divulgada y de que forma; determinar si tal divulgación se hará bajo su nombre, con seudónimo o anónimamente; exigir el reconocimiento de su condición de autor de la obra; exigir el respeto a la integridad de la obra e impedir cualquier transformación; modificar la obra respetando los derechos adquiridos por terceros; y acceder al ejemplar único o raro cuando se halle en poder de un tercero, para ejercer su derecho de divulgación o cualquier otro que le corresponda.
3. Confianza, lealtad y transparencia.
3. Confianza, lealtad y transparencia.
Toda relación entre el artista y el mediador se basará en la confianza mutua, la lealtad y la confidencialidad en los pactos.
Las dos partes actuarán con total transparencia. El artista estará al corriente de toda la información relativa a la actividad en la cual participa (propósitos, presupuestos, difusión, relación con los medios de comunicación, otros agentes o instituciones implicadas) o de las transacciones que se puedan hacer con su obra (relación con los compradores, ventas realizadas, descuentos, intervención de otros agentes o mediadores). Por su lado, el artista mantendrá informado a su interlocutor sobre todos los aspectos referentes a su obra y sobre su relación con otros mediadores.
4. Difusión de la obra del artista.
4. Difusión de la obra del artista.
Es responsabilidad del agente o mediador que acoge la exposición o actividad del artista que se realice una correcta difusión. El artista ha de tener conocimiento del ámbito en el que se realizará dicha difusión y ha de facilitar en todo momento toda la información y material que se consideren necesarios para alcanzarla correctamente.
5. Contrato por escrito.
Todas y cada una de las relaciones profesionales entre el artista y un mediador o agente estarán reguladas por un contrato por escrito, un documento firmado por las dos partes en el que se especificarán las condiciones de la relación. Cuando más detallados aparezcan los derechos y deberes de cada una de las partes, menos probabilidades habrá de que se produzcan lecturas unilaterales. El pacto por escrito obliga a las partes al cumplimiento de las condiciones establecidas, a portará una gran seguridad jurídica y evita conflictos.
La base jurídica del uso obligatorio del contrato por escrito es el artículo 45 de la Ley de Propiedad Intelectual que establece que la cesión de derechos sólo es válida por escrito.
6. Cumplimiento de los derechos económicos del artista.
El artista tiene derecho ha participar de una manera justa y equilibrada de las explotaciones económicas que otros hacen de su obra. Ese es el sentido de los derechos económicos del autor. Hay dos clases de derechos económicos: los de explotación y los de simple remuneración. Todos estos derechos pueden ser gestionados por el propio artista, a través de una entidad de gestión colectiva (VEGAP), o por algún mediador expresamente facultado (distribuidoras, etc.). Todos los mediadores y agentes que intervienen en el sector del arte contemporáneo cumplirán escrupulosamente los derechos económicos del artista visual.
El artista tiene derecho ha participar de una manera justa y equilibrada de las explotaciones económicas que otros hacen de su obra. Ese es el sentido de los derechos económicos del autor. Hay dos clases de derechos económicos: los de explotación y los de simple remuneración. Todos estos derechos pueden ser gestionados por el propio artista, a través de una entidad de gestión colectiva (VEGAP), o por algún mediador expresamente facultado (distribuidoras, etc.). Todos los mediadores y agentes que intervienen en el sector del arte contemporáneo cumplirán escrupulosamente los derechos económicos del artista visual.
El artista, dada su condición de autor, es la única persona que puede decidir si pone su obra a libre disposición del público a través de una licencia abierta (tipo Copyleft) que establecerá las circunstancias, autorizaciones y límites.
Los derechos de explotación (artículos 17 hasta 21 del TRLPI) son: de Reproducción, de Distribución, de Comunicación Pública, y el de Transformación. El Derecho de Participación sobre la reventa de obras de artes plásticas (artículo 24 del TRLPI) es un derecho de Remuneración.
7. Relación artista y galerista.
En ningún caso un mediador o agente comercial cobrará un alquiler (en dinero u obra) al artista para exponer su obra. Las comisiones sobre las ventas de obra aplicadas por la galería de arte se fijarán de mutuo acuerdo y teniendo en cuenta los servicios que esta ofrece al artista y el grado de su relación (exclusiva, esporádica...). El uso del contrato por escrito de regulación de las relaciones entre las dos partes y los albaranes de entrega de obra en deposito serán obligatorios.
7. Relación artista y galerista.
En ningún caso un mediador o agente comercial cobrará un alquiler (en dinero u obra) al artista para exponer su obra. Las comisiones sobre las ventas de obra aplicadas por la galería de arte se fijarán de mutuo acuerdo y teniendo en cuenta los servicios que esta ofrece al artista y el grado de su relación (exclusiva, esporádica...). El uso del contrato por escrito de regulación de las relaciones entre las dos partes y los albaranes de entrega de obra en deposito serán obligatorios.
8. Remuneración económica del artista.
La remuneración económica del artista por el trabajo realizado o por la prestación de servicios que conlleva su participación en una actividad artística, constituye la base de su reconocimiento profesional y no puede confundirse con el cumplimiento de otros derechos económicos ni –si procede- con la financiación de los costes de producción de la obra. El artista es el primer responsable en exigir esta remuneración dado que nadie mejor que él conoce el valor de su trabajo. En cualquier caso esta remuneración nunca será menor al 15 % del coste total de la exposición o actividad en la cual participa. En éste sentido, el artista conocerá el presupuesto global y detallado de la actividad en la cual participa.
La base jurídica de la remuneración económica del artista es el Derecho de Comunicación Pública que establece la Ley de Propiedad Intelectual (TRLPI, artículo 20, apartado g). Su gestión es personal (excepto algunos videoartistas en el caso de cesión previa de derechos a una entidad de gestión colectiva de derechos de autor o a una distribuidora). Sólo puede cederse por decisión expresa del autor, de manera limitada y a través de la comentada remuneración económica.
9. La producción artística y el apoyo a la investigación.
Es responsabilidad del agente o mediador que acoge u organiza la exposición o actividad en la que participa el artista financiar la totalidad de la producción de obra de nueva creación o asumir los gastos de adaptación de la obra preexistente. De la misma manera, será responsabilidad del artista respetar el presupuesto y los plazos acordados, garantizar la calidad del trabajo previamente pactado y mantener un trato profesional con sus colaboradores.
9. La producción artística y el apoyo a la investigación.
Es responsabilidad del agente o mediador que acoge u organiza la exposición o actividad en la que participa el artista financiar la totalidad de la producción de obra de nueva creación o asumir los gastos de adaptación de la obra preexistente. De la misma manera, será responsabilidad del artista respetar el presupuesto y los plazos acordados, garantizar la calidad del trabajo previamente pactado y mantener un trato profesional con sus colaboradores.
Se valorará especialmente la capacidad de los agentes y mediadores en inversión para la investigación, el desarrollo y la innovación en las artes visuales.
10. Profesionalidad.
Las relaciones entre el artista visual y cualquiera de los mediadores, públicos o privados, que actúan en el ámbito del arte contemporáneo se sustentarán en el trato profesional. El indicador del reconocimiento del artista como profesional por parte de los mediadores será el cumplimiento íntegro de éste decálogo.
Aprobado por la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) durante la asamblea general celebrada en Madrid, el 13 de julio de 2006.
Extraido de:
Germinación naranja.
germinar.
(Del lat. germināre)
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Germinar.
(Del lat. Germināre)
2. Dit d'una cosa moral o abstracte: Brollar, créixer, desenvolupar-se.
1. Dit d'un vegetal: Començar a desenvolupar-se des de la llavor.
(Del lat. Germināre)
2. Dit d'una cosa moral o abstracte: Brollar, créixer, desenvolupar-se.
1. Dit d'un vegetal: Començar a desenvolupar-se des de la llavor.
Cartel + listado de participantes.
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Los zapatos en el vestíbulo...
Anota en tu agenda que el último fin de semana de febrero
tienes que disfrutar de una tarde de cortos.
24, 25 y 26 de febrero.
Próximamente más información.
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Anota a la teva agenda que l'últim cap de setmana de febrer
has de gaudir d'una tarda de curts.
24, 25 i 26 de febrer.
Properament més informació.
24, 25 i 26 de febrer.
Properament més informació.
Sobre el arte II.
"El arte le da color a la vida - la vida le da médula al arte.
Para algunos el arte es la flor más deliciosa de la vida.
Para mí es la semilla de la flor más hermosa.
Llamada: vida.
Uno no debe buscar en el arte un sustituto de la vida.
El arte no es un sucedáneo: es vida viva.
Una parte de la vida.
Quizá la más grande, la más esplendorosa.
Pero de todas maneras: sólo una parte.
Si el sentido del arte fuese el de adormecernos, hacernos olvidar la
vida, entonces la mejor obra de arte, la más sencilla sería un martillazo
en la cabeza.
Para vivir, una obra de arte no necesita belleza; ni tampoco fealdad.
Necesita vida"
Para algunos el arte es la flor más deliciosa de la vida.
Para mí es la semilla de la flor más hermosa.
Llamada: vida.
Uno no debe buscar en el arte un sustituto de la vida.
El arte no es un sucedáneo: es vida viva.
Una parte de la vida.
Quizá la más grande, la más esplendorosa.
Pero de todas maneras: sólo una parte.
Si el sentido del arte fuese el de adormecernos, hacernos olvidar la
vida, entonces la mejor obra de arte, la más sencilla sería un martillazo
en la cabeza.
Para vivir, una obra de arte no necesita belleza; ni tampoco fealdad.
Necesita vida"
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Elmer Diktonius
Elmer Diktonius
Antología de poesía sueca
Ediciones litoral
1968
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